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Conheça os 12 Princípios da Animação

Conheça os 12 Princípios da Animação

Os princípios da animação formam a base de todo trabalho de movimento. Os 12 princípios de animação foram introduzidos pela primeira vez pelos animadores da Disney Ollie Johnston e Frank Thomas em seu livro A Ilusão da Vida: Animação da Disney, lançado originalmente em 1981.

Neste livro, Johnston e Thomas examinam o trabalho dos principais animadores da Disney. Década de 1930 em diante, e abordam até 12 princípios básicos de animação. Esses princípios formam a base de todo trabalho de animação.

Eles são relevantes para vários campos diferentes. O uso mais óbvio é para animação de um personagem, mas essas regras também são um guia inestimável em web design e motion design.

Neste artigo, vamos dar uma olhada em cada princípio da animação, com vídeos úteis de Vincenzo Lodigiani. Depois de entender esses 12 princípios de animação, você poderá levar seu trabalho de movimento para o próximo nível.

Estes são os princípios e o que eles significam:

1 – Comprimir e Esticar – Squash And Stretch

O Princípio do Squash e Stretch é considerado o mais importante dos 12 princípios da animação. Quando aplicado, ele dá aos seus personagens e objetos animados a ilusão de gravidade, peso, massa e flexibilidade.

Pense em como uma bola de borracha saltitante pode reagir quando atirada ao ar: a bola se estica quando ela sobe e desce e esguicha quando atinge o solo. Ao usar Squash e Stretch, é importante manter o volume do objeto consistente. Então, quando você estica algo, ele precisa ficar mais fino, e quando você espreme algo, ele precisa ficar mais largo.

2 – Antecipação – Anticipation

A Antecipação ajuda a preparar o espectador para o que está prestes a acontecer. Quando aplicado, ele tem o efeito de tornar a ação do objeto mais realista. Considere como poderia parecer se você saltasse no ar sem dobrar os joelhos, ou talvez jogar uma bola sem antes puxar o braço para trás. Parece muito antinatural (pode até não ser possível pular sem dobrar os joelhos!). Da mesma forma, animar os movimentos sem um lampejo de antecipação também fará com que seu movimento pareça desajeitado, obsoleto e sem vida.

3 – Encenação – Staging

Encenação em animação é muito parecida com composição em obras de arte. O que queremos dizer com isso é que você deve usar o movimento para guiar o olho do espectador e chamar a atenção para o que é importante dentro da cena. Mantenha o foco no que é importante dentro da cena e mantenha o movimento de todo o resto de não-importância ao mínimo.

4 – Animação pose-a-pose ou direta – Straight Ahead and Pose to Pose

Há duas maneiras de lidar com animação de desenho: Pose-a-Pose ou Direta. Cada um tem seus próprios benefícios e as duas abordagens são frequentemente combinadas.

A ação direta envolve o desenho quadro a quadro do início ao fim. Se você está procurando por movimentos fluídos e realistas, a ação direta é a sua melhor aposta. Com a pose para colocar a técnica, você desenha o quadro inicial, o quadro final e alguns quadros-chave no meio.

Então você volta e completa o resto. Essa técnica lhe dá um pouco mais de controle dentro da cena e permite aumentar o efeito dramático do movimento.

5. Sobreposição e Continuidade da Ação – Follow Through And Overlapping

Quando os objetos pararem depois de estarem em movimento, diferentes partes do objeto serão interrompidas em taxas diferentes. Da mesma forma, nem tudo em um objeto se moverá na mesma proporção. Isso forma a essência do quinto dos princípios de animação da Disney. Se seu personagem estiver correndo pela cena, seus braços e pernas podem estar se movendo a uma taxa diferente da cabeça deles. Esta é uma ação sobreposta.

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Da mesma forma, quando eles param de correr, o cabelo deles provavelmente continuará a se mover por alguns quadros antes de parar – isso é seguido.

Estes são princípios importantes para entender se você deseja que sua animação flua de forma realista.

6 – Aceleração E Desaceleração – Slow In And Slow Out

A melhor maneira de entender a aceleração e a desaceleração é pensar em como o carro liga e para. Ele começará a se mover lentamente, antes de ganhar impulso e acelerar. O inverso acontecerá quando o carro frear.

Na animação, esse efeito é obtido adicionando mais quadros no início e no final de uma seqüência de ação. Aplique este princípio para dar mais vida aos seus objetos.

7 – Movimento Em Forma De Arco – Arcs

Ao trabalhar em animação, é melhor seguir as leis da física. A maioria dos objetos segue um arco ou um caminho quando eles estão se movendo, e suas animações devem refletir esse arco. Por exemplo, quando você arremessa uma bola no ar, ela segue um arco natural à medida que os efeitos da gravidade da Terra atuam sobre ela.

8 – Ação Secundária – Secondary Action

Ações secundárias são usadas para apoiar ou enfatizar a ação principal que ocorre em uma cena. Adicionar ações secundárias ajuda a adicionar mais dimensão aos seus personagens e objetos. Por exemplo, o movimento sutil do cabelo do seu personagem enquanto ele caminha, ou talvez uma expressão facial ou um objeto secundário reagindo ao primeiro. Qualquer que seja o caso, esta ação secundária não deve desviar a atenção da primária.

9 – Temporização – Timing

Para este princípio de animação, precisamos olhar para as leis da física novamente e aplicar o que vemos no mundo natural às nossas animações. Nesse caso, o foco está no tempo. Se você mover um objeto mais rápido ou lentamente do que se moveria naturalmente no mundo real, o efeito não será crível. Usando o tempo correto permite que você controle o humor e a reação de seus personagens e objetos. Isso não quer dizer que você não pode empurrar as coisas um pouco (especialmente se você está criando um mundo imaginário) – mas se você fizer isso, seja consistente.

10 – Exagero – Exaggeration

Muito realismo pode arruinar uma animação, fazendo com que ela pareça estática e chata. Em vez disso, adicione um pouco de exagero aos seus personagens e objetos para torná-los mais dinâmicos. Encontre maneiras de ultrapassar os limites além do possível e suas animações aparecerão.

11 – Desenho Volumétrico – Solid Drawing

Você precisa entender o básico do desenho. Isso inclui saber desenhar no espaço tridimensional e compreender forma e anatomia, peso e volume, luzes e sombras. Embora você também possa impor limites, é importante permanecer consistente. Se o seu mundo tem portas vacilantes e uma perspectiva distorcida, mantenha essa perspectiva em toda a animação. Caso contrário, as coisas vão desmoronar.

12 – Apelo – Appeal

Seus personagens, objetos e o mundo em que vivem precisam atrair o espectador. Isso inclui ter um design fácil de ler, desenho sólido e uma personalidade. Não há nenhuma fórmula para acertar isso, mas começa com um forte desenvolvimento do personagem e a capacidade de contar sua história através da arte da animação.

Depois de entender esses 12 princípios de animação, comece a colocar em prática, e como o tempo você poderá levar seu trabalho de movimento para o próximo nível.

 

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